Читать интересную книгу Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней - О. Киташова

Элиот Грюнер — австралийский творец, семикратно получавший за свои произведения премию Уинн, ежегодно вручавшуюся художникам и скульпторам. Заметив рано пробудившийся интерес сына к рисованию, мать Грюнера отвела его к известному и влиятельному в Австралии живописцу Джулиану Эштону, который помог двенадцатилетнему Элиоту сделать первые шаги в искусстве. После смерти отца, случившейся, когда мальчику было 14 лет, Грюнеру пришлось много работать для поддержания семьи, однако, выкраивая время на выходных, он продолжал писать. В 1901 молодой мастер начал посылать свои работы в Общество художников Сиднея, а в 1907 он уже получил широкое признание у критиков и других мастеров изобразительного искусства, среди которых был Норман Линдсей.

Картина «Время доения» написана в счастливый для автора период, когда победы на конкурсе следовали одна за другой. После того как ему было заказано большое полотно с изображением долины Твида, Грюнер крайне редко обращался к крупным произведениям, предпочитая работать с близкими к эскизным форматами, не превышающими 60 сантиметров в диагонали, к таким относится и эта небольшая картина. Изображения коров и других животных были нередким выражением тематических исканий. Обращаясь к сценам из простой сельской жизни, Грюнер делал основной акцент на отображении световой среды, которая в первую очередь и привлекает внимание к его холстам.

Рой де Мейстр (1894–1968) Интерьер студии. Около 1931. Холст, масло. 50,5x60,6

Рой де Мейстр — австралийский художник с мировым именем, первым в Австралии начавший работать в стиле чистого абстракционизма. Известны его ранние эксперименты с цветомузыкой, связанные с обнаружением и исследованием связи между музыкальной гармонией и гармонией цветов. Разработанной им цветомузыкальной теории Мейстр в 1919 посвятил выставку «Цвет в искусстве». Впоследствии под влиянием кубизма он отходит от абстракции в сторону фигуративной живописи. Это произошло в 1930-е, примерно в то время, когда мастер перебрался на постоянное место жительства в Лондон.

«Интерьер студии» — картина, написанная уже в Европе. Ее можно считать переходным произведением, содержащим в себе элементы, присущие как абстракционизму, так и кубизму. Преобладание обобщенных геометрических форм, приближенных к простейшим, искажение изображаемой реальности, приводящее к ощущению одномерности и существования лишь одной, общей для всех элементов плоскости, особое внимание к взаимодействию различных цветовых участков отсылают к абстракционизму. Тем не менее на этой основе образы конструируют определенное пространство, внутри которого размещаются легко идентифицируемые — хоть и условные — человеческие фигуры. В подобном использовании наблюдаемого мира для преломления под собственным углом зрения и состоит главное отличие кубизма от абстракционизма, окончательно отвергавшего вещи привычной действительности, создавая свои собственные отвлеченные миры.

Герберт Бэдхэм (1899–1961) За завтраком 1936. Оргалит, масло. 59x71

Во время обучения в сиднейской школе искусств Эштона под руководством таких мастеров, как Джордж Вашингтон Ламберт, Генри Гиббонс и самого основателя учреждения Джулиана Эштона, Герберт Бэдхэм получил традиционное академическое художественное образование, основанное на первенстве рисунка. К этой стандартной для многих поколений начинающих живописцев базе он присовокупил свою личную заинтересованность в изображении перспективы и промышленном дизайне. Последнее очевидно и в произведении «За завтраком», где стол, покрытый клетчатой скатертью, становится своеобразным подиумом для целого ряда тщательно выписанных бытовых предметов, в их окружении автор также изображает свою жену. Спокойное утреннее настроение, на первый взгляд наполняющее эту картину, неминуемо разрушается, стоит лишь обратить внимание на свежий номер газеты, заголовок которой гласит о вторжении Муссолини в Абиссинию. Бэдхэм был одним из тех фигуративных творцов Сиднея межвоенного периода, чьи работы дают возможность составить представление о сиднейском модернизме тех лет — современные, животрепещущие темы подавались сквозь призму доминирующих традиций реалистического английского изобразительного искусства.

Дороти Торнхилл (1910–1987) Утро в Креморне 1939. Холст, масло. 45,7x61

Дороти Торнхилл — австралийская художница, преподававшая в Национальной школе искусств на протяжении почти сорока лет. Многие мастера изобразительного искусства и критики высоко ценили способности рисовальщицы и отмечали ее непревзойденный талант в создании быстрых набросков с натуры. Живописец Брайан Данлоп говорил, что эти рисунки, лишенные готовых формул и клише, были одними из лучших, когда-либо известных в Австралии.

Среди творений Торнхилл имеются и пейзажи, в которых острое чувство линии и формы столь же существенно и определяюще, как и в зарисовках человеческих фигур. На основе таких эскизов художница создавала работы, подобные «Утру в Кремоне». В своем стиле она объединила импрессионистический и пуантилистский подходы, что проявляется в одновременном присутствии в изображении непосредственного живого чувства и продуманности. Торнхилл запечатлевает свои ощущения от ясного свежего утра, полученные, судя по точке зрения, при взгляде из окна. Основной задачей для автора здесь становится передача воздействия света на среду, показ того, как под его влиянием изменяются листва деревьев, вода, небо и вся атмосфера пространства, ведь именно утренний свет превращает привычный вид из окна в достойный картины мотив и дает возможность взглянуть на него по-новому.

Чарльз Меере (1890–1961) Австралийский пляж 1940. Холст, масло. 91,5x122

Чарльз Меере был одним из группы художников Сиднея, чьи работы послужили модернизации классических изобразительных традиций, использовавшихся для запечатления жизни нации на протяжении межвоенного периода.

«Австралийский пляж» — наиболее известная картина живописца — отражает всю совокупность его взглядов. Меере запечатлевает множество пляжников, их атлетически сложенные тела приобретают монументальные, героические пропорции. Каждое движение, длительность которого в действительности моментальна, остановлено и наделено величием вечности. Сложная, созданная из взаимодействия многих человеческих фигур ритмическая композиция, подобная замысловатому узору, полна сдерживаемой энергии. Это культовое произведение заключает в себе миф о здоровой нации, нашедший воплощение в загорелых богоподобных телах отдыхающих на пляже людей.

Джеймс Глисон (1915–2008) Сеятель 1944. Холст, масло. 76,2x50,8

Джеймс Глисон — один из передовых австралийских живописцев второй половины XX века. Все его творчество представляет собой попытку проникновения в бессознательное человека, его страхи и фантазии. В большинстве случаев работы художника развивают стилистику сюрреализма.

Детские воспоминания Глисона наполнены болезненными впечатлениями от минувшей Первой мировой войны, которыми делились с ним и друг с другом взрослые люди, участники событий и свидетели ужасов. Когда он всерьез решил посвятить себя изобразительному искусству, началась Вторая мировая. Таким образом, война была для творца преследующим с пеленок и до окончания юности кошмаром. По словам художника, он всегда надеялся, что можно повлиять на отношение людей к военным действиям, возвестить об их катастрофических последствиях и предотвратить возникновение новых.

Картина «Сеятель» отсылает к знаменитому одноименному полотну французского живописца XIX века Жана Франсуа Милле. Глисон говорил, что постоянно держал этот образ в голове во время написания произведения. Его персонаж — это сеятель XX столетия, чей жуткий облик и неестественные, мутировавшие конечности отражают бесполезность не оправдавших себя идей гуманизма. Мрачный пейзаж предстает выражением духа современности, в то время как в работе Милле изображенная природа олицетворяла плодородие.

Сидней Нолан (1917–1992) Шахта прелестного Полли 1948. Оргалит, эмалевая краска. 91x122,2

Сидней Нолан — один из крупнейших австралийских мастеров второй половины XX века, живописец-абстракционист и график. Изобразительному искусству он обучался при Национальной художественной галерее в Мельбурне, позже стал одним из руководителей группы «Круг Хейде» — художников-модернистов, живших и работавших на бывшей молочной ферме «Хейде» на реке Ярра, в пригороде Мельбурна.

Картина «Шахта прелестного Полли» входит в серию «Пустоши», появившуюся после путешествий творца по штату Квинсленд и острову Фрайзер. Это произведение, на котором запечатлены следы былого процветания, стало первым из приобретенных у Нолана Художественной галереей Нового Южного Уэльса. Оно было написано по впечатлениям от посещения запустевшей шахты Маунт-Айза. Образ чопорной, облаченной в темный костюм фигурки, бродящей у обветшавшего строения, навеян управляющим шахтой, повстречавшимся автору. По его словам, мужчина «любил кормить птиц по утрам. Все считали его помешанным, но он просто кормил птиц — розелл и всех остальных». Огромная розелла (семейство попугаевых), летящая за пищей, фокусирует на себе внимание зрителя. Невозможно сказать наверняка, играет создатель данной картины с планами, максимально приближая птицу к границе изображаемого, или с размерами, превращая попугайчика в мутировавшего гиганта. Как бы то ни было, Нолану удается добиться в своей работе фантастического ощущения.