Н. Н. Сапунов. «Вазы и цветы на розовом фоне». 1910 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
Выставка «Голубая роза» ознаменовала начало поздней фазы символизма в русском искусстве. По сравнению с графически-линейными произведениями петербургских мастеров из объединения «Мир искусства», которое доминировало в художественной жизни России нач. 20 в., работы молодых москвичей поражали нежными, дымчатыми, словно тающими красками и зыбкими, ускользающими формами. Их любимые мотивы – отражения в воде, туман, зеркала, облака, мир театра с волшебными огнями рампы и чудесными превращениями, происходящими на сцене. Большинство представленных на выставке полотен было создано в стиле модерн в его московском варианте. Вместе с тем некоторые картины предвосхищали появление авангардных направлений 1910-х гг. (экспрессионизм, примитивизм). Для московских живописцев был характерен интерес к традициям иконописи, парсуны и лубка, к восточному искусству.
Обложка каталога выставки «Голубая роза». 1907 г.
Выставка молодых новаторов вызвала ожесточённую полемику среди художественной интеллигенции. С резкой критикой выступил в журнале «Весы» И. Э. Грабарь, призывая голуборозовцев уйти из «царства теней» в солнечный мир реальности. Жёсткий ответ Грабарю со стороны В. Милиоти был помещён на страницах журнала «Золотое руно». Художник отстаивал значение выставки как новой вехи в развитии русского искусства.
Позднее многие участники «Голубой розы» отошли от символизма, но продолжали создавать романтически-одухотворённые образы. В 1920-е гг. некоторые из участников выставки вошли в художественные объединения «Маковец» и «Четыре искусства». Ретроспективные выставки художников «Голубой розы» были организованы в Москве в 1925, 1988, 1999 и 2006 гг.
ГОЛУ?БКИНА Анна Семёновна (1864, Зарайск – 1927, там же), русский скульптор. Член-учредитель объединения «Мир искусства», участница Московского общества любителей художеств, Московского товарищества художников. Преподавала во Вторых свободных государственных художественных мастерских и во Вхутемасе. Автор книги «Несколько слов о ремесле скульптора» (1922-23). В 1891-94 гг. занималась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у С. И. Иванова. Образование завершила в Париже, где была дважды: в 1895-96 гг. посещала Академию Ф. Коларосси, в 1897-99 гг. пользовалась советами О. Родена. В 1902-03 гг. совершила третью поездку в Париж для изучения техники работы в мраморе. С нач. 1900-х гг. жила попеременно в Москве и Зарайске. В 1904-07 гг. принимала участие в революционном движении, была арестована и приговорена к заключению, но освобождена из-за болезни.
А. С. Голубкина. «Портрет А. Н. Толстого». Дерево тонированное. 1911 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
А. С. Голубкина. Ваза «Туман». Мрамор. Ок. 1904 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
Во многих работах (ваза «Туман», ок. 1904 г.; горельеф «Волна, или Пловец» над входом в Московский художественный театр, 1903) воплощала темы и образы, характерные для модерна. В ряде произведений («Огонь», 1900; «Кочка», 1904; «Идущий человек», 1903) своеобразно претворяются типичные для символизма темы томления духа, духовного пробуждения.
А. С. Голубкина. «Старая». Мрамор тонированный. 1908 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
А. С. Голубкина. «Берёзка». Бронза. 1927 г. Музей-мастерская А. С. Голубкиной. Москва
Важнейшим в творчестве Голубкиной был жанр портрета, в котором её произведения смыкались с импрессионизмом. Однако она использовала импрессионистические средства не для передачи сиюминутного впечатления, а для наделения образа психологической выразительностью. Живая подвижность поверхности скульптуры способствовала выявлению сложных взаимоотношений между зримым и скрытым. Наиболее плодотворный период в творчестве скульптора приходится на 1903-13 гг. В это время были созданы портреты известных поэтов, писателей и философов: А. Белого (1907), А. М. Ремизова и А. Н. Толстого (оба – 1911 г.), В. Ф. Эрна (1913). Среди последних работ выделяются «Портрет Л. Н. Толстого» (1927) и статуя «Берёзка», оставшаяся неоконченной.
ГOЛЬБЕЙН Г., см. Хольбейн Х.
ГОНЧАРOВА Наталья Сергеевна (1881, дер. Лодыжино Тульской области – 1962, Париж), русский живописец, график, театральный художник, одна из «амазонок авангарда». Правнучатая племянница жены А. С. Пушкина Н. Н. Гончаровой. С 1901 г. с перерывами училась на скульптурном отделении Московского училища живописи, ваяния и зодчества у С. М. Волнухина и П. П. Трубецкого; затем посещала класс живописи К. А. Коровина. В 1900 г. познакомилась с М. Ф. Ларионовым, с которым была неразлучна в жизни и творчестве более полувека. В 1910-11 гг. вместе с Ларионовым входила в объединение «Бубновый валет», участвовала в создании группы «Ослиный хвост» (1912-13), открыто бросившей вызов общественному мнению; входила также в «Союз молодёжи». Гончарова приняла авангард не только как художественное направление, но и как образ жизни: она шокировала всех тем, что ходила в мужской одежде, с лицом, разрисованным цветами на синем фоне; ввела в моду рубашку-платье.
Испытала влияние П. Гогена; в 1901-06 гг. писала акварелью и пастелью пейзажи в духе группы «Наби». В 1906 г. пришла к своеобразному синтезу кубизма, «примитива» (лубка, провинциальной вывески) и русской иконы. Работая в очень маленькой мастерской, писала картины частями (композиции-складни, напоминающие алтари); весь полиптих целиком впервые собирался на выставке. Мощь, огромный размер, створчатая структура и вертикальная устремлённость «крестьянских» полотен Гончаровой побудили критиков назвать их «соборами». Напротив, четырёхчастную композицию «Евангелисты» (1911) и лубочные графические листы, посвящённые православным святым, цензура нач. 20 в. сочла кощунственными. Некоторые живописные работы обнаруживают связь с «лучизмом», изобретённым Ларионовым («Лучистые лилии», 1913); другие близки к футуризму («Велосипедист», 1913).
Художница участвовала в издании футуристических книг «Игра в аду» и «Мирсконца» В. Хлебникова и А. Е. Кручёных, «Le Futur» и «Сердце в перчатке» К. Большакова (все – 1913; совместно с Ларионовым). В 1914 г. создала серию литографий «Мистические образы войны». Исполняла декоративные скульптуры и лепные фризы для московских особняков, разрабатывала рисунки обоев.
Вместе с Ларионовым работала для кино (участие в съёмках первого русского футуристического фильма «Драма в кабаре № 13», 1913-14) и театра. Опера Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок» (1914), оформленная для «Русских балетов Дягилева» в традициях лубка, с восторгом была принята в Париже. По приглашению С. П. Дягилева в июне 1915 г. Гончарова и Ларионов отправились в турне по Европе, а в 1918 г. окончательно поселились в Париже. Вся вторая половина жизни Гончаровой связана с театром; в 1920-х гг. она стала одним из главных художников дягилевской труппы, в 1930-40-е гг. создавала декорации и костюмы для театров Европы и Америки («Свадебка» И. Ф. Стравинского, поставленная в Париже). Поздние картины также пронизаны театральностью. Гончарова и Ларионов похоронены рядом на кладбище Иври в Париже. В 1988 г., согласно их воле, несколько сотен работ было передано в Государственную Третьяковскую галерею.
ГОРЕЛЬEФ (франц. haut-relief, от haut – высокий и relief – рельеф, выпуклость), высокий рельеф, в котором изображение отступает от фона более чем на половину своего объёма. Иногда фигуры в горельефе выглядят как круглые статуи, приставленные к плоскости стены. Высокий рельеф лучше всего воспринимается при ярком боковом освещении, когда фигуры отбрасывают сильные тени и обозначаются все изгибы пластической формы. Особенно часто в горельефе изображаются многофигурные сцены яростной борьбы, стремительного движения. Во фризе Пергамского алтаря (2 в. до н. э.) резкие повороты мощных напряжённых тел, разметавшиеся волосы, искажённые яростью лица гигантов и могучие тела богов переданы с невиданной пластической мощью. Горельеф применялся в украшении саркофагов и триумфальных арок Древнего Рима, в скульптурном убранстве порталов и капителей романских и готических храмов (собор Св. Петра в Муассаке, 12 в.; западный фасад собора в Реймсе, 13 в., и др.). В эпоху Возрождения в технике горельефа работали многие знаменитые мастера: Дж. Пизано (рельеф кафедры церкви Сант-Андреа в Пистойе, 1301), Донателло («Благовещение», алтарь Кавальканти, Флоренция, 1430-е гг.) и др. Начиная с 15 в., в работах скульпторов горельеф нередко соединялся с барельефом, образуя т. н. живописный рельеф. В искусстве нового времени наиболее известна «Марсельеза» Ф. Рюда, украшающая Триумфальную арку на площади Звезды в Париже (1833-36).